De 25 største skuespillerne i det 21. århundre (så langt)
Les på spansk
- 376
Kameleoner eller skjønnheter, stjernevendinger eller karakterroller - dette er artistene som har overglent alle andre på det store lerretet de siste 20 årene.
if (!window.Promise || !window.fetch || !window.URL) { document.write('Vi er i en gullalder for skuespill – få den platina – som vi skjønte da vi bestemte oss for å velge favorittfilmartistene våre de siste 20 årene. Det er ingen formel for å velge det beste (bare krangle), og denne listen er både nødvendigvis subjektiv og muligens skandaløs i sine utelatelser. Noen av disse utøverne er nye på scenen; andre har eksistert i flere tiår. Når vi tok våre valg, har vi fokusert på dette århundret og sett utover Hollywood. Og selv om det absolutt er stjerner i blandingen og til og med en snert av Oscar-vinnere, er det også karakterskuespillere og kameleoner, actionhelter og art-house-elskinger. De er 25 grunner til at vi fortsatt elsker filmer, kanskje mer enn noen gang.
25
Gael Garcia Bernal
MANOHLA DARGISNår Alejandro González Iñárritus thriller Amores Perros og Alfonso Cuaróns roadmovie Og din mor også ble utgitt i amerikanske kunsthus med et års mellomrom, var sjokkene seismiske. Regissørene deres løp snart mot internasjonal anerkjennelse, og det samme var Gael García Bernal, deres delte stjerne. Han var begavet, holdt skjermen og hadde et ansikt du fortsatte å se på, delvis fordi det – med sine doe-øyne og lyktkjeve – sømløst smeltet sammen idealer om feminin og maskulin skjønnhet.
Denne kontrasten var ikke spesielt tydelig i Elsker hunder (2001), men den bidrar til å berike den varmere Y Tu Mamá También (2002), en sjelfull voksende historie som åpner med et hump og ender med et sukk. García Bernal spiller Julio, en arbeiderklassetenåring på en oppdagelsesreise (av selvet, av andre). Sammen med sin beste venn (spilt av Diego Luna), tumler Julio ubekymret gjennom livet til han ikke gjør det. Ettersom historiens røsshet stilner, forsvinner Julios ungdoms machismo, erstattet av ettertenksomhet som skuespilleren gjør så fysisk, at du ser karakteren trekke seg tilbake i seg selv.
I 2004 hadde García Bernal dukket opp i Walter Salles Motorsykkeldagbøkene som den unge Che Guevara og spilte en duplicity kameleon i Pedro Almodóvars Dårlig utdanning. Almodóvar satte skuespilleren i hælene for å spille en noirish femme fatale, en rolle som García Bernal tilsynelatende ikke likte å gjøre det, men som utdypet hans personlighet med en leppestift og en psykologisk kulde som skapte nye sjokk.
A. O. SCOTTHos Pablo Larraín Nei (2013), García Bernal spiller Rene Saavedra, en hotshot ung reklamekreativ i 1980-tallets Chile, med sin vanlige sjarm. Han er kul, men ikke skremmende; pen i samme mål; morsomt, men ikke til det punktet av ytterst ubehagelig; selvsikker, men ikke en dust. Til å begynne med er det lett å undervurdere både Rene og García Bernal, for å forveksle deres tilfeldige, upretensiøse naturlighet med mangel på gravitas eller håndverk. Rene er vervet av en gruppe opposisjonelle politiske partier for å produsere TV-spots som støtter et nei-stemme ved en folkeavstemning som utvider diktaturet til Augusto Pinochet. Renes jobb er å selge avvisning som et optimistisk valg, for å erkjenne brutaliteten til Pinochets regime mens han fokuserer på den lykkelige fremtiden uten ham. Selv om Rene tror på saken, ser han også på det som en markedsføringsutfordring, og det er litt Mad Men-stemning i kranglingen hans med kunder, kolleger og rivaler.
Det er opp til García Bernal å gi den dramatiske koblingen mellom mediebransjens banaliteter og terroren til politisk undertrykkelse, og han gjør det nesten utelukkende med øynene. En natt blir leiligheten han deler med sin unge sønn vandalisert mens de sover, og i det øyeblikket løser Renes flishugger seg opp i ren frykt. Dagen etter er han tilbake på jobb, og både han og publikum har fått en ny og dyp forståelse av hva arbeidet betyr.
Lei eller kjøp Nei på store strømmeplattformer.
24
Sonia Braga
MANOHLA DARGISJeg så nylig Aquarius (2016) på nytt for vår ode til Sônia Braga. For de som ikke har sett den: Braga spiller hovedrollen som Clara, en forfatter hvis leilighet vender mot Atlanterhavet. Det meste av historien følger Clara som bare lever livet sitt mens hun tar bort huseieren sin. Braga føyer seg sømløst inn i regissøren Kleber Mendonça Filhos fantastiske, uklare realisme. Denne gangen la jeg imidlertid merke til hvordan Braga fortsatte å omorganisere den overdådige hårgardinen denne gangen – delvis foranlediget av, ahem, en kapitteltittel kalt Clara’s Hair. Og da hun feide den opp og sviktet den, innså jeg at Mendonça ikke bare presenterte en karakter, men også legenden som spilte henne.
A. O. SCOTTDet er en påminnelse - subliminal og frekk på samme tid - at Braga var en stor sak i Brasil og utover på 1970- og 80-tallet, hennes nasjons svar på Sophia Loren. Filmene hennes med Mendonça (Bacurau i år også Aquarius) trekker på den historien og utnytter hennes gamle skolekarisma. Men de er ikke bare stjernesvingninger i slutten av karrieren. Clara er ikke Sonia Braga: Hun er en svært spesifikk kvinne med sin egen historie med prestasjoner, kjærlighetsforhold og anger. Men bare en utøver med Bragas fullstendige selvsikkerhet, hennes heroiske likegyldighet til hva noen andre synes om henne, kunne bringe Clara til live.
DARGISMen det jeg fant fascinerende med Aquarius denne gangen er at Clara er det også Braga, i den forstand at karakterens betydning delvis er formet av alt som Braga kommer med når hun er på skjermen, inkludert historien hennes i brasiliansk kino som kvinne med blandet aner, så vel som hennes eventyr i Hollywood. Det er noe fantastisk befriende å se Braga spille denne majestetiske kvinnen, som har synlige rynker og aldri har fått brystrekonstruksjon etter mastektomi. Det er spesielt sant gitt hvordan Braga en gang ble slavet over som sexstjerne. Det er ikke noe annet å kalle henne, skrev en mannlig kritiker en gang - vel, du kan kalle henne en skuespillerinne.
SCOTTHennes ferdigheter viser seg på en helt annen måte i Bacurau i år, en vanvittig fantastisk (og voldelig) science-fictionisk allegori om Brasil i krise som avviker fra realismen til Mendonças andre filmer uten å forlate deres politiske lidenskap eller humanisme. Braga, en del av et viltvoksende ensemble som inkluderer ikke-profesjonelle skuespillere, er avgjørende for dette. Hun spiller Domingas, en småbylege med et drikkeproblem og en til tider slitende personlighet – en deglamorisert, komisk rolle som ingen andre kunne ha klart med så dybde og ynde. Eller som Mendonça sa det, I en symfoni ville hun være piano.
Stream Bacurau på Kriteriekanal og Aquarius på Netflix .
Annonse
23
Mahershala Ali
A. O. SCOTTMahershala Ali har et av de store ansiktene i moderne filmer - de skulpturerte kinnbeina, det høye, kontemplative brynet, de øynene med melankoli. Hans tilstedeværelse på kamera er magnetisk, men også våken og lur. Karakterene hans har en tendens til tilbakeholdenhet, vaktsomhet, men deres tilbakeholdenhet er sin egen form for veltalenhet, hviskene deres gir mer resonans enn noe rop.
Ali har vunnet to Oscar for beste mannlige birolle. Den første var for Moonlight (2016), der han i det stille raserte en holdbar Hollywood-stereotypi. Juan er en narkotikaforhandler, en figur av ødeleggelse av samfunnet og implisitt vold. Det som imidlertid definerer ham er mildheten hans, den ubetingede vennligheten han gir Chiron, den unge hovedpersonen. Juan lytter til gutten; han svarer på spørsmålene sine; i en av filmens mest rørende scener lærer han ham å svømme.
Og så, mellom første og andre akt, forsvinner han. Men Ali hjemsøker filmen selv etter hans avgang. Han er både dets tragiske, nærende bilde av manndom og den første mannen som er verdig Chirons kjærlighet.
MANOHLA DARGISAli fikk først oppmerksomheten min i Netflix-serien House of Cards. Han spilte Remy Danton, en advokat i Washington hvis kunnskapsrike lille smil kunne flimre som en advarsel, og signalisere faren i hans verden. Remy kom inn i den andre episoden i en scene på en restaurant, der hovedpersonen, Frank Underwood (Kevin Spacey), spiser sammen med to andre maktmeglere. Remy står ikke over de sittende mennene, han ruver. Du vet at Underwood er dårlige nyheter, men når regissøren David Fincher skjærer Remys ansikt, endrer Ali brått temperaturen ved å slippe sin kjærlige fasade for hudprikkende forsiktighet, noe som gjør det klart at han ikke snakker til en mann, men til et rovdyr. .
Jeg var så vant til å se Ali i en skreddersydd dress (og noen ganger ute) at jeg først kjente ham ikke igjen i Moonlight. Det var ikke bare de forskjellige garderobene, men den nøyaktige peilingen som Ali ga hver mann, variasjoner i kropper, ja, men også i hvordan disse kroppene beveger seg og betyr. I House of Cards flyter Remy og det var øyeblikk da jeg trodde jeg så på neste James Bond. I Moonlight skaper Ali en titanisk karakter hvis kraft, selv etter at han forsvinner fra filmen, fortsetter å gi gjenklang. Skuespilleren skaper en veldig ulik karakter i Grønn bok (2018, hans andre Oscar-vinner), denne gangen med en opptreden – som musikeren Don Shirley, som Ali spiller som en mann og en forsvart festning – som overgår filmen.
SCOTTJeg vil nesten si at ytelsen er det motsatte av filmen. Ali er grasiøs, vittig og selvbevisst mens Green Book er klønete, spøkefull og blind for sin egen ufølsomhet. Jeg er ikke sikker på at noen annen skuespiller kunne ha håndtert den beryktede scenen med stekt kylling med en slik slu verdighet. At Green Book og Moonlight begge var de beste bildevinnerne taler til motsetningene i vårt kulturelle øyeblikk, men det er et bevis på Alis talent at hans subtile håndverk og urokkelige karisma kan forankre to så divergerende filmer.
Stream Moonlight på Netflix .
22
Melissa McCarthy
MANOHLA DARGISNår kritikere anatomiserer komiske artister som Melissa McCarthy, berører vi ofte kjente kvaliteter som timing, ynde og elastisk fysiognomi. Men vi snakker også om skuespill. Etter overgangen fra TV til film, har McCarthy gjentatte ganger demonstrert rekkevidden hennes og på en spennende måte bidratt til å ødelegge regressive ideer om hvem som kan bli en filmstjerne. Ingen film har tjent henne bedre enn Spy (2015) der hun spiller Susan, en engstelig C.I.A. analytiker som er sendt på et merkelig oppdrag som lar McCarthy hakke og så herlig svirre.
Viktig for den undergravende moroa til Spy er hvordan den distribuerer sjangerkonvensjoner for å vise frem McCarthys talenter, samtidig som den blåser opp stereotypier. Susan inneholder mengder, først som selvbeskyttelse (hun demper ilden) og senere som et uttrykk for hennes menneskelighet. I felten påtar hun seg ulykkelig flere frekke, tragisk forkledde forkledninger - variasjoner av hvordan andre ser henne - før hun forvandler seg til en sexy, søppelsnakende fantasi av hennes eget design. Mens Susan slipper håret og hemningene, klipper McCarthy løs. Stemmen hennes buldrer, de flagrende hendene hennes blir til knyttnever, ansiktet hennes med Kewpie-dukke blir full av Medusa. McCarthy spiller ikke én kvinne – hun er oss alle, med hevn.
A. O. SCOTTLee Israel er morsom. Hun deler en rask og rasende aggressiv verbal vidd med noen av McCarthys andre kreasjoner, som Tammy i Tammy (2014) og Mullins i Varmen (2013). Men Lee var en ekte person, og Can You Ever Forgive Me? (2018) er ikke akkurat en komedie. Det er heller ikke helt en biografi, men snarere en svært spesifikk del av det skeive og litterære livet i New York fra slutten av 1900-tallet tredd gjennom et mistilpasset kameratbilde og vridd inn i en kapersfilm.
Lee er ikke lett å like eller rote til. Hun er slitende, selvopptatt og selvsaboterende. Hun fremmedgjør venner og har et like svakt grep om etikk som om nøkternhet. McCarthy motstår å gjøre historien hennes – som innebærer å bytte en vaklende karriere som forfatter mot et lukrativt opphold som en forfalskning av kjente forfatterbrev – til en lignelse om bedring eller forløsning.
Den handler om hvordan Lee og hennes sidekick (den fantastiske Richard E. Grant) gambler på å overleve, og gjør opprør mot skjebnen som en likegyldig verden har forberedt for dem. Filmtittelen stiller et ærlig spørsmål. Kanskje du ikke kan tilgi Lee for hennes bortfall og løgner, hennes mangel på hensyn til andres ord og følelser. Men det er ingen måte du kan glemme henne.
Lei eller kjøp Spion og Kan du noen gang tilgi meg? på de fleste større plattformer.
tjueen
Catherine Deneuve
I en lang karriere med å jobbe med en hvem er hvem av auteurs, har Deneuve stått for en viss form for elegant franskkvinne enten hun spiller en vanlig kone, en bistro-eier som ikke er heldig eller til og med en iransk mor. For den siste rollen, i den animerte Persepolis (2007). Deneuve ga uttrykk for en karakter basert på Marjane Satrapis mor. Vi spurte Satrapi, som regisserte filmen sammen med Vincent Paronnaud, om å forklare hvorfor hun oppsøkte Deneuve.
Bor du i Frankrike er Catherine Deneuve symbolet. Da jeg vokste opp, var hun drømmen. Hun tok alltid valg som var for avanserte for hennes tid, mer anarkistiske enn borgerlige. Hun har alltid sett ut som en veldig borgerlig pariserkvinne, noe som absolutt ikke stemmer. Hun er en rebell som ser ut som en grande dame.
Den første gangen jeg møtte Catherine Deneuve var som å møte Gud personlig. Jeg ble så imponert. Og likevel måtte jeg lede henne, og jeg turte ikke fortelle henne en ting. De to første timene ble jeg helt lam, og hun roet meg ned. Hun fortalte meg, fordi hun er en veldig sjenerøs kvinne: Du er regissøren og jeg er skuespillerinnen din. Fortell meg hva jeg skal gjøre, så skal jeg gjøre det. Hun gjorde det ikke foran andre mennesker. Hun sa: La oss ta en sigarett, og hun sa det til meg privat.
For karakteren til moren, trengte jeg å ha noen som ikke er denne evige moren som er veldig deilig, fordi dette ikke er min mor. Moren min er en veldig nydelig person, men hun er sånn: Du gjør dette. Gjør det du. Jeg trengte noen som hadde kraften til en kvinne som vil at datteren hennes skal [gjøre livet hennes] bedre og bli mer frigjort. Catherine Deneuve har denne måten å snakke på som ikke er leken, fordi hun ikke prøver å være sympatisk. Hun er veldig ærlig. Når hun snakker til deg, ser hun rett inn i øynene dine.
Hun prøver ikke å være sympatisk. Hun er veldig ærlig.
Det er denne scenen når jeg kommer hjem og mamma begynner å rope til meg: Vet du hva de gjør med unge jenter i Iran? Du må ut av dette landet. Jeg husker at når hun spilte det, var hun litt av. Hun prøvde å holde seg som hun pleier. Jeg tenkte: Nei, Catherine, du er virkelig ute av deg. Hun gjorde det og hun gråt faktisk. Det var ekstremt rørende.
Og fortsatt, etter alle disse årene, hver gang jeg ser henne, har jeg hjerteslag. Hun er som en løve. Hun er ikke høylytt, hun gjør ikke bevegelser. Men selv om hun er bak deg og du ikke ser henne, føler du at en katt er i rommet. Det føles på samme tid veldig spennende og veldig farlig. Hun er glupsk og fryktløs, og jeg elsker det med henne.— Intervju av Kathryn Shattuck
Lei eller kjøp Persepolis på de fleste større plattformer.
tjue
Rob Morgan
A. O. SCOTTDe store karakterskuespillerne er paradoksets mestere, på en gang uutslettelige og usynlige. Du kjenner dem ikke nødvendigvis igjen fra en rolle til en annen, men de setter sitt preg på hver film, og forsterker helheten selv i små deler.
Hvis du så Mudbound, Monsters and Men, The Last Black Man in San Francisco og Just Mercy – fire filmer utgitt mellom 2017 og 2019 – er du klar over Rob Morgan, enten du vet navnet hans eller ikke.
Som en dødsdømt fange i Just Mercy er han en spesielt udramatisk tilstedeværelse, en stille mann hjemsøkt av anger, hjelpeløshet og frykt hvis situasjon innkapsler filmens humanistiske argument.
I hver av de andre filmene spiller han en far, i Jim Crow South og det moderne urbane nord - en mann som vet mer enn han velger å si. Sønnene i disse filmene snakker mest, men Morgan gir et veltalende uttrykk for opplevelser som ligger utenfor hovedhistorien, selv når de forankret den i en større historie. I Last Black Man dukker han opp i en håndfull scener og ytrer bare noen få linjer, men alt filmen handler om – gledene og skuffelsene i livet i utkanten av en særegen by i rask forandring – står skrevet i ansiktet hans. Han lytter, han tygger solsikkefrø, han spiller noen akkorder på et gammelt pipeorgel, og etter noen minutter i hans nærvær forstår du nøyaktig hva du trenger å vite.
MANOHLA DARGISNoen ganger gir en liten film en skuespiller en sjanse til å bli større og holde senteret, noe Morgan gjør i Annie Silversteins Okse (2020). Han spiller Abe, en tidligere rodeo okse-rytter med stive ledd, blod i urinen og et skjørt holdt sammen liv. Da tyredagene hans er over, jobber han nå på bakken som tyrefekter, og hjelper til med å beskytte falne ryttere. Rollen som Abe blir barmhjertig nok ikke overskrevet, noe som lar Morgan definere karakteren med en overbevisende legemliggjøring, en hvis hode vippes, sidelengs ser og tilbaketrukket tilstedeværelse uttrykker en blåmerkende fortid og de selvbeskyttende instinktene til en mann i følelsesmessig retrett.
Bull skal bare handle om Abe, men det fokuserer i stedet på forholdet hans til en hvit, rotløs 14 år gammel nabo, Kris (Amber Havard). Skjebnene deres krysser hverandre etter at hun har blitt tatt i å kaste huset hans, og er formet av den ufortjente optimismen som er grunnleggende for amerikansk kino. Med andre ord, Abe og Kris redder hverandre. Det som redder filmen er imidlertid vinduet Morgan åpner mot den svarte cowboyen og hvordan forestillingen kompliserer USAs favorittmyter, inkludert figuren til den harde, stoiske enstøingen. Abe rir ikke inn fra John Waynes territorium; Abe rir inn fra et helt annet land som Morgan gjør visceralt, hjemsøkt og helt levende.
Stream Bull på Hulu .
19
Wes Studi
Wes Studi har et av skjermens mest gripende ansikter – stikkende og krøllete og forankret med den typen penetrerende øyne som insisterer på at du matcher blikket deres. Mindre regissører liker å bruke ansiktet hans som et sløvt symbol på den indianeropplevelsen, som en maske av adel, lidelse, smerte som er ukjent bare fordi ingen har spurt mannen som har den på seg. I den riktige filmen leker Studi ikke bare med en karakters fasade; han skreller lagene. En mester i uttrykksfull opasitet, han viser deg masken og det som ligger under, både tenkningen og følelsen.
Han viser deg masken og det som ligger under.
Studi hvelvet inn i filmbevisstheten som den hevngjerrige Huron-krigeren i Michael Manns epos The Last of the Mohicans (1992), en karakter skuespilleren formidler med kraftig fysiskhet og intensiteter av forakt, utålmodighet, harme, raseri. Å gjøre mye med litt har vært en konstant i Studis filmkarriere, som inkluderer betydningsfulle roller i Den nye verden (2005) og Avatar (2009). Som mange andre skuespillere har han gjort sin del av forglemmelig arbeid, laget utnyttelsesfilmer og TV-fôr. Ofte spesifikt rollebesetning som indianer, har han spilt Geronimo og Cochise; han kan rette opp flere filmfeil hvis westernfilmer fortsatt var populære. Og hvis industrien var eventyrlysten, kunne han også spille flere typer som veilederen for et hjemløse krisesenter i Å være Flynn (2012), en mann som ikke bruker det Studi kaller lær og fjær.
Lærerikt nok bærer han ingen av dem i Scott Coopers Fiendtlig (2017), om liv og død i USA på slutten av 1800-tallet. Studi spiller Chief Yellow Hawk, en døende Cheyenne-fange som den føderale regjeringen har gått med på å returnere til sine forfedres land. Filmen er i stor grad interessert i eskorten hans, en krigsødelagt indisk hater spilt av Christian Bale, stjernen. Nok en gang leverer Studi en støttevending som utfyller den ledende forestillingen – karakterens likegyldighet til eskortens raseri er en vegg som ikke kan brytes – og hjelper til med å utjevne historiens balanse. Yellow Hawk har overlevd lenge nok til å dø på hans premisser, overlevelse som Studi gjør en siste handling av selvbesittelse.
Stream fiendtlige på Netflix .
18
Willem Dafoe
Skuespilleren har vært en viktig tilstedeværelse i filmer så annerledes som Shadow of the Vampire (2000) og The Florida Project (2017), som han mottok Oscar-nominasjoner for. Han ble også nominert for å ha spilt van Gogh i Julian Schnabels biografi, Ved Eternity's Gate (2018). Vi spurte Schnabel hvorfor han henvendte seg til Dafoe.
Willem og jeg møttes for mer enn 30 år siden. Han har alltid bodd i nabolaget, og vi hadde mange venner til felles. Oliver Stone filmet The Doors i New York, og vi sto rundt settet en kveld og det var første gang vi virkelig begynte å snakke.
En ting som er superviktig er at han er en veldig sjenerøs skuespiller. Han bryr seg om andres opptredener og om å hjelpe dem ved å være tilgjengelig uansett hva han gjør. Han er veldig, veldig lojal og veldig, veldig smart. Hvis du har noen som er smarte, kan de gjøre det bedre.
Han er en veldig sjenerøs skuespiller. Han bryr seg om andres opptredener.
[For At Eternity's Gate] Jeg trengte noen som ville ha karakterdybden til å spille van Gogh. Og det handlet ikke bare om å se ut som ham. Det var noen som kunne ha nok livserfaring til å være den fyren. Folk trodde, vel, Willem er 60 år gammel, van Gogh var 37 da han døde. Det var irrelevant for meg. Du må bare ha en anelse om å stole på noen og tenke at de kan gjøre noe. Jeg stoler implisitt på Willem. Og det nivået av tillit går begge veier.
Det er ting vi skjøt i Arles etter at han kom som vi ikke kunne bruke. Han hadde på seg de samme klærne, hadde samme frisyre, men han var ikke fyren ennå. Så var det et visst øyeblikk da han plutselig var det. Han ble forvandlet, forvandlet. Han var en annen.
En av mine favorittscener er hvor han snakker med den unge Dr. Rey, som ser ham etter at han har kuttet øret av ham og han garanterer ham at han kommer til å få male når han er på institusjonen. Det samspillet er ekstraordinært, det Willem gjør der. Han sitter egentlig ved et bord og det er ikke så mye rom for bevegelse. Men det som skjer i ansiktet hans i hans svar på det den unge legen sier til ham - og også som svar på alle andre tanker som ser ut til å reise gjennom hodet på den tiden - er et landskap av hendelser og et indre liv som skum kommer til toppen av en vaniljeeggkrem.— Intervju av Kathryn Shattuck
Lei eller kjøp At Eternity's Gate på de fleste større plattformer.
Annonse
17
Alfre Woodard
I en rettferdig verden ville det være en sprengende liste over flotte opptredener for å fylle denne oppføringen, en samling av matriarker, romantiske heltinner, divaer og skurker for å gjenspeile hele spekteret av Alfre Woodards gaver. Slike roller er alltid mangelvare for svarte kvinner, men selv i små deler i mindre filmer eller TV-serier er Woodard en uforglemmelig tilstedeværelse, på en gang kongelig og helt ekte.
De to filmene som har gitt henne mest plass - Steve McQueens slave i 12 år (2013) og Chinonye Chukwu's Clemency (2019) - begge setter spørsmålet om rettferdighet i sentrum. I hver må Woodard hevde karakterens verdighet og etiske integritet i møte med umulig grusomme omstendigheter. Bernadine Williams, fengselsbetjenten i Clemency, hvis jobb inkluderer å føre tilsyn med henrettelser, opplever at profesjonaliteten hennes i økende grad er i strid med hennes menneskelighet. På 12 år har elskerinne Shaw, en slavebundet kvinne hvis forhold til en plantasjeeier har gitt henne et visst privilegium, forhandlet med et system bygget på hennes dehumanisering.
Woodards kunst, hennes forpliktelse til sannhet, er det du ser.
Motsetningene som Bernadine og elskerinne Shaw kjemper med er større enn noe individ. Det Woodard gjør er å gjøre dem personlige. Selvkontroll er et spørsmål om å overleve, og Woodard setter ansiktet hennes inn i et bilde av skikkelig innredning, og utgir seg for å være den fornemme sørstatsdamen eller den effektive byråkraten som situasjonen krever. Hun lar ikke maskene gli – kanskje bortsett fra i de ødeleggende sluttscenene av Clemency – som viser kostnadene og omsorgen som er forbundet med å bruke dem. Karakterene opptrer også og spiller rollene sine for dødelige innsatser, og Woodards kunst, hennes forpliktelse til sannhet, er det du ser i rommet mellom hvordan de ser ut og hvem de er.
Stream begge deler Nåde og slave i 12 år på Hulu.
16
Kim Min-hee
I Hong Sang-soo’s Right Now, Wrong Then (2016) møtes en kvinne og en mann. De drikker og drikker litt mer og skiller veier bare for å møtes i filmens andre halvdel som for aller første gang, et oppsett som fremkaller Groundhog Day. Nok en gang går de til en kafé, et studio, en restaurant. Men selv om handlingene deres generelt forblir de samme, og det samme gjør kveldens generelle bue, har nok endret seg - hvordan de ser på hverandre, bøyningene i stemmene deres - til å gjøre dette andre møtet til noe annerledes.
Kim Min-hees utsøkt nyanserte opptreden er i sentrum av filmen, og skuespillerinnen selv har vært i hjertet av Hongs arbeid siden den gang, og dukket opp i de fleste av hans påfølgende filmer. Hong, en etablert art-house-auteur, forteller historier i beskjeden skala som er formelt lekne, følsomme for menneskelig ufullkommenhet og gjennomvåt av soju. Kjente ting skjer, noen ganger ukjent. Gjentakelse er ofte et narrativt fokus, et som er forankret i livet og vakkert servert av Kims klare uttrykksevne.
I Hongs minimalistiske kanon er livet fortettet i hverdagsøyeblikk, i samtaler og måten kropper lener seg mot hverandre. Forskjellene i de to halvdelene av Right Now, Wrong Then avslører nye fasetter ved karakterene og skaper nye spenninger mellom dem. De gir også fritt spillerom til Kims rekkevidde, slik at hun kan leke med intonasjon, gester, flimrende blikk. Men selv om filmens to deler føles som varianter av samme historie, føles opptredenen hennes mer som om den smelter sammen ettersom - smil for smil, med avbøyde og faste blikk - Kim samler karakteren til en helhet.
Hun går stort og smått, svinger fra monstrøs til musaktig.
Hun gikk for barokk i Park Chan-wook's The Handmaiden (2016), hennes mest kjente film. I dette merkelige, ofte perverst morsomme dramaet som foregår i Korea på 1930-tallet, spiller hun en japansk adel som er reddet fra sin avvikende onkel av sine lister og av en annen kvinne. Historiens flamboyante utskeielser og narrative vendinger lar Kim bruke alle verktøyene i arbeidsboksen. Hun går stort og smått, svinger fra monstrøs til musaktig, og vekselvis skjuler karakterens følelser og lar dem gå amok. Kroppen hennes vugger og ansiktet hennes forvrenges når frykt og smerte viker for ekstase og forløsning. Karakteren er et mysterium som filmen erter, men som Kim låser opp på en forvirrende måte.
Stream The Handmaiden på Amazon Prime-video .
femten
Michael B. Jordan
Michael B. Jordan har spilt advokater, idrettsutøvere og superhelter, men allerede før rekkevidden hans ble klar, ønsket regissøren Ryan Coogler å jobbe med ham. Coogler har laget tre funksjoner (Fruitvale Station, Creed og Black Panther) og Jordan-stjerner eller medstjerner i dem alle. Vi ba regissøren om å forklare hva det er med skuespilleren som trekker oss inn.
Jeg møtte Mike i 2012 da jeg undersøkte og jobbet med manuset til Fruitvale. Han var den jeg bestemte meg for ville være best for rollen før jeg møtte ham, basert på det andre arbeidet jeg hadde sett ham gjøre - et par filmer det året, Red Tails og Chronicle, og en haug med ting i TV-rommet . Men jeg tenkte at han kunne spille Oscar. Han så ut som ham, men også det jeg så var denne evnen til å få deg til å føle med ham. Ikke alle skuespillere har denne tingen, når du umiddelbart bryr deg om noen, og det utløser en empatisk reaksjon. Det hadde han. Han har også et veldig avansert verktøysett som skuespiller.
Det jeg så var denne evnen til å få deg til å føle med ham.
Han har vært med i alle spillefilmene jeg har gjort. Og jeg fortsetter å kaste ham fordi han er den beste personen for jobben. Creed [2015] hadde en annen karakter jeg trodde han kunne spille bra. Før Mike ble skuespiller, var han idrettsutøver, tilbake på barneskolen og videregående. Han hadde spilt idrettsutøvere på TV, den mest kjente var på Friday Night Lights, så noen av tingene vi visste at karakteren hans måtte gjøre i Creed, følte Mike riktig for det. Det var en del av ham som ikke var så stor.
Og i] Svart panter [2018], med ham og Chadwick vendt mot hverandre og gikk tå til tå, føltes det som en begivenhet. Stjernene deres steg opp. De var begge ledende menn da vi spilte inn den filmen.
Nå, det som er spennende med at vi blir eldre i bransjen, er å jobbe sammen i forskjellige kapasiteter. Han gjør mange ting bak kameraet nå. Og vi har noen muligheter til å jobbe sammen utover skuespiller og regissør.
Han er veldig ambisiøs på en måte som er kjærlig. Han ønsker alltid å presse og utfordre seg selv videre. Og det kommer til uttrykk i forestillingene hans, men også i forretningsmessig forstand. Den ambisjonen holder ham åpen. Han ser på alt og ønsker ikke å avskjære seg fra visse sjangere eller muligheter. Så jeg tror himmelen er grensen for ham og karrieren hans.— Intervju av Mekado Murphy
Stream Black Panther på Disney + .
14
Oscar Isaac
A. O. SCOTTSelv om jeg kan ta eller forlate de nylige Star Wars-filmene, har jeg en forkjærlighet for noen av karakterene, spesielt Poe Dameron, motstandsflygutten som er den tredje trilogiens utpekte sjarmør. Som Poe er Oscar Isaac en tiltalende, omgjengelig tilstedeværelse i disse filmene, en fyr som ser ut til å vite hva han gjør.
Karakterene hans er ikke alltid like heldige, eller like sikre på seg selv, men mannen selv opererer med presisjonen til noen som er trygg nok på ferdighetene sine til å presse seg inn på risikabelt nytt territorium. Sommeren før Inne i Llewyn Davis (2013) ble utgitt, fortalte Joel og Ethan Coen at de opprinnelig hadde ønsket å rollebesette en kjent musiker i tittelrollen. I stedet fant de Isaac, som fortalte dem (ifølge Joel) at de fleste skuespillere, hvis du spør dem om de spiller gitar, vil de si at de spilte gitar i 20 år, men det de egentlig mener er at de har eid en gitar i 20 år. Isaac kunne faktisk spille. Når jeg tenker på hva som gjør ham så troverdig som skuespiller, er det det første jeg tenker på. Ikke fordi det er en så stor sak å spille gitar, men fordi hva enn Isaac later til å gjøre på skjermen — å selge fyringsolje (i det undervurderte A Most Violent Year, (2014); finne opp sexy roboter (i Ex Machina); flying X-wing fighters — Jeg tror alltid at han virkelig vet hvordan han skal gjøre det, og at jeg ser på en slags autentisk mestring i aksjon.
MANOHLA DARGISNår skuespillere gjør et dyptgående førsteinntrykk, blir de noen ganger knyttet til ideene dine om hva de kan gjøre. Etter Llewyn Davis assosierte jeg Isaac med sjelfullt nederlag, med en understrøm av motvillig harme. Noen få andre roller støttet opp denne ideen om hans medfødte sorg, inkludert hans opptreden som en beleiret ordfører i HBO-serien Show Me a Hero (2015). Dette har delvis å gjøre med hans brokkelige, romantiske utseende og hvordan brynene rammer inn de luksuriøst vippede øynene. Og så er det stemmen hans, dens vakre lyd, men også hvordan resonansen skaper intimitet. Selv når han legger nasal i det, beholder stemmen hans en kvalitet av nærhet, en grunn til at det ofte føles, høres ut som om Llewyn synger mer for seg selv enn publikum. Isaacs stemme myker også skjønnheten hans og trekker deg inn. Noen ganger, som i Ex Machina, bruker han imidlertid den intimiteten til noe insinuerende, skummelt.
Isaac har en birolle i Ex Machina (2015), men han er avgjørende for stemningen og kraften. Han spiller Nathan, en Dr. Frankenstein-lignende teknologimilliardær involvert i kunstig intelligens som bygger (og ødelegger) vakre kvinnelige androider. En voldsomt kritisk stand-in for dagens mestere av det digitale universet, kunne Nathan lett ha dominert filmen. Isaac holder i stedet sin egen sjarm i sjakk, og lar karakterens skumlehet forgifte luften. Nathans kvikksølviske humør og overraskende blikk – hans barberte hode og helskjegg, briller og kuttede muskler – gjør det vanskelig å få en perle på ham. Men når han plutselig hopper ned og utfører en fantastisk dans, avslører Isaac alt du trenger å vite om Nathan i den geometriske presisjonen til hans koreograferte bevegelser og galskapen i øynene. Det er 30 sekunder av rent geni.
Lei eller kjøp Ex Machina på store strømmeplattformer.
1. 3
Tilda Swinton
MANOHLA DARGISTilda Swinton, kvinnen med tusen andre verdensfjes, har skapt nok personas – med utallige parykker, kostymer og aksenter – til å ha blitt en liste over én. Hun er en stjerne, en karakterskuespiller, en performancekunstner, en utenomjordisk, en lurer. Det bleke, skarpt høvlede ansiktet hennes er et ideelt lerret for maling og proteser, og i stand til en nervepirrende stillhet. Du vil lese henne, men kan ikke. Det gjør henne til en fantastisk skurk, enten hun spiller en demon, en dronning eller en bedriftsadvokat. I Julia (2009) slipper hun den veggen for å spille en ut-av-kontroll alkoholiker og barnesnapper, og gir en fullgass forestilling som er så visceral og gjennomsiktig at du kan se karakterens tanker rasende i arbeid, som små parasitter. beveger seg under huden.
A. O. SCOTTVi liker å berømme skuespillere for rekkevidde, men det er et nesten latterlig utilstrekkelig ord for den radikale formendringen Swinton oppnår. Bare se på en del av karrieren hennes: arbeidet hennes med Luca Guadagnino, en filmskaper som deler gleden av å gjenoppfinne seg selv. I Jeg er kjærlighet (2010) spilte hun den russiske kona til en italiensk aristokrat, og ga en forestilling på to språk og i nøkkelen til ren melodramatisk hjertesorg. I Et større plask (2016) hadde hun knapt noe språk i det hele tatt: Hun bestemte seg for at det ville være interessant om hennes glamrock-diva-karakter hadde blitt slått stum av en halsoperasjon. I Suspiria (2018) henrettet hun en av sine mange selvdoblinger, og dukket opp som medlem av en balletoman heksepakt og også som en eldre mannlig Holocaust-overlevende.
DARGISDen doblingen former hennes mest androgyne forestillinger, der hun uanstrengt utvisker kjønn, og bekrefter (nok en gang) utilstrekkeligheten til kategorier som mann og kvinne. Hun er begge deler; hun er ingen av delene. En annen dobling skjer når hun spiller tvillinger, i 2016 Hail, Caesar! (som rivaliserende sladderspaltister) og i Okja neste år (som visuelt distinkte svært grusomme industrikapteiner). I hver viser Swinton oss to sider av samme person, omtrent som hun gjør i Michael Clayton (2007) når advokaten hennes øver på et dobbeltspill foran et speil. Mens advokaten snakker, stopper og slipper smilet, ser du at hun desperat prøver å kontrollere en refleksjon som allerede sprekker.
SCOTTDisse rollene kan være teatralske, men de føles nesten aldri gimmicky. Swinton har røtter i en avantgardetradisjon – tidligere i karrieren jobbet hun med Derek Jarman og Sally Potter – som understreker identitetens foranderlighet og de uskarpe grensene mellom kunst og autentisitet. I løpet av de siste 20 årene har hun brakt noe av den intellektuelle stringens og konseptuelle vågen til dette verket til Hollywood og utover. Hun er ikke bare en unik spennende utøver, men også en av de store levende teoretikere innen ytelse.
Alle disse Tilda Swinton-filmene er tilgjengelige på store strømmeplattformer .
12
Joaquin Phoenix
Joaquin Phoenix har dukket opp i fire av regissøren James Grays filmer, fra og med The Yards i 2000 og inkludert We Own the Night (2007), Two Lovers (2009) og The Immigrant (2014). Vi ba Gray forklare hvordan skuespilleren har utvidet - og forbedret - på sin egen visjon.
Da jeg så To Die For, sa jeg: Den skuespilleren – jeg visste ikke engang navnet hans ennå – er utrolig flink til å formidle sitt indre liv uten dialog. Det er en veldig viktig ting på kino, fordi kameraet avslører alt. Her var en skuespiller som hadde så mye på gang, og du kunne se. Jeg tenkte, det er en veldig interessant skuespiller. Jeg vil gjerne møte ham. Og det gjorde jeg.
Vi var på samme bølgelengde, umiddelbart. Vi likte de samme tingene. Vi tenkte på ting på samme måte. Og jeg likte ham umiddelbart. Han hadde den dimensjonaliteten til seg. Den første filmen vi gjorde sammen [The Yards], er jeg sikker på at jeg gjorde ham veldig forbanna. Jeg har en veldig direkte måte. Noen ganger er det bra og noen ganger er det ikke så bra. Jeg er bedre på det nå. La oss bare si at jeg ikke alltid var villig til å si: Ja, det er interessant, men la oss prøve dette. Jeg var mer opptatt av, Joaq, hva gjør du? Det er kjipt, prøv en annen. Og jeg vet at jeg ville frustrert ham fordi talentet hans var så stort.
Han har en ubegrenset evne til å overraske deg på de beste måtene og inspirere deg til å bevege deg i en retning du ikke har tenkt på opprinnelig, bedre enn det du har i tankene, og utvider ideen. Han er ekstremt oppfinnsom. Han tenker alltid og har faktisk blitt mer med årene. Jeg har aldri sagt at jeg vil ha synet mitt på skjermen. Jeg vil ha noe bedre enn det. Du vil legge ned parametrene for hva det er du har i tankene, og deretter omgi deg med mennesker som vil gjøre det hele vakrere. Ikke annerledes, nødvendigvis, men mer intens, mer levende.
Han har en ubegrenset evne til å overraske deg på de beste måtene.
Du vil at skuespilleren skal overraske deg, og gjøre det på en måte som virker i samsvar med karakteren, men også veldig interessant. Joaquin var helt fantastisk på det. Det er inspirerende. Du vet ikke hva du kan forvente i beste mening. Joaquin Phoenix er en av de beste tingene som noen gang har skjedd meg. Hvis jeg angrer i det hele tatt, ville det være at han ikke er med i hver eneste film jeg har laget.— Intervju av Candice Frederick
Stream The Yards på CBS All Access .
Annonse
elleve
Julianne Moore
A. O. SCOTTDen ulykkelige amerikanske husmoren – som smiler for å holde oppe utseendet i møte med hjemlige tragedier og indre uro – er en holdbar filmarketype. Det er en som Julianne Moore både har utforsket og eksplodert i Timene (2002) og spesielt i hennes samarbeid med Todd Haynes som Langt fra himmelen (2002).
Den filmen er satt i Connecticut på 1950-tallet, men det er et skarpt stilisert landskap, stemningsfullt for Hollywood-melodramaene fra den perioden. Cathy og Frank Whitaker (Moore og Dennis Quaid) blir hver trukket vekk fra sitt kvelende ekteskap av forbudte ønsker: Frank for andre menn, Cathy for Raymond Deagan, en svart landskapsarkitekt (Dennis Haysbert). Disse overtredelsene er ikke symmetriske eller kryssende. I deres hjertesorg, ydmykelse og lengsel har Frank og Cathy ingen trøst å tilby hverandre.
Moore kunne ha plassert Cathys kvaler i anførselstegn, fremkalt de lidende divaene fra 50-tallskinoen mens han blunket til et moderne publikum som betrakter de dårlige gamle dagene fra en trygg estetisk avstand. I stedet går hun helt inn, og stirrer ut fra sjelen til en kvinne som er rotfestet i sin tid og absolutt moderne, fanget av regler og utseende og også – skremmende og spennende – fri.
MANOHLA DARGISUfornøyde eller ikke, koner kan være blindveier for skuespillerinner, og for mange kommer den tiden da de for alltid har blitt forvist til kjøkkenet. Moore har spilt mange koner og mødre, men hennes er noen ganger mer komplekse og overraskende enn filmene hennes, en indeks på hennes følsomhet og talent. En grunn til at hun løfter karakterene sine ut av stereotypien er at hun leker med koder for realisme, enten hun leverer en naturalistisk forestilling ( Still Alice, melodramaet fra 2014 om en professor med Alzheimers) eller en hyperbolsk (David Cronenbergs satire fra 2015 M aps til Stars, hvor hun er en Hollywood-hyene). Moore kan eksternalisere en karakters indre tilstand vakkert, slik at du ser følelser dukke opp på huden hennes. Men hun er en kunstner av ekstremer, og hun og Cronenberg har det gøy å leke med gargoyle-ansiktene hennes.
For det meste er arbeidet hennes i Gloria Bell (2019) i en realistisk toneart. Hun spiller tittelfiguren, en raushjertet skilt forsikringsarbeider med to voksne barn, en eks hun ikke hater og en sårt ensom leilighet. Selve filmen er beskjeden, intim, gjennomtenkt og rik på menneskelige detaljer. Gloria innleder en affære med en mann. Det går dårlig, de bryter opp. Det skjer ikke mye i vanlige filmtermer, men alt skjer fordi Gloria elsker og blir elsket på sin side. Det er en historie som kunne ha ført til bøtter med snørr og tom showboating. Men Moore og regissøren Sebastián Lelio overskrider selvfølgelighet. De skaper ikke bare en historie om en kvinnes følelser - og væren - når hun blir forelsket; de skaper et landskap av følelser, teksturen og formen til en sensibilitet. Moores Gloria gråter og ler ikke; hun viser deg hvordan kjærlighet ser ut fra innsiden. Det er et mirakel av en forestilling.
Stream Gloria Bell på Men sone Prime Video .
10
Saoirse Ronan
Hvor mange forskjellige måter kan en person bli myndig på? Å vokse opp er mye av det unge mennesker gjør i filmer, men få skuespillere har gjort det så lenge, eller med så nyanser, intelligens og variasjon som Saoirse Ronan. Hun har modnet foran øynene våre i mer enn halve livet (hun er 26) og blitt klokere, tristere, friere og mer seg selv i hver nye rolle.
Selvfølgelig er det stort sett karakterene som gjennomgår disse endringene. Eilis Lacey (Brooklyn, 2015) finner kjærlighet og uavhengighet i sitt nye hjem; Christine McPherson ( Lady Bird, 2017) lærer å sette pris på moren sin; Jo March ( Little Women, 2019) finner stemmen sin som forfatter. Ronan selv, som beboer disse kvinnene og jentene i all deres særpreg, har vært nesten nervøs konsekvent, i full, disiplinert kommando over hennes gaver helt fra starten.
Full, disiplinert beherskelse av hennes gaver helt fra starten.
I forsoning, hennes breakout-opptreden fra 2007, spilte hun Briony Tallis, en bevisst 13-åring som tror hun forstår mer om voksenverdenen enn hun gjør. Ronan samsvarer ikke bare med Brionys brådmogelighet; hun formidler også den flyktige blandingen av barnslig usikkerhet og romantisk sjalusi som får denne hensynsløse, trengende, halvuskyldige jenta til å føle seg oppriktig farlig.
Og den følelsen av fare vedvarer, enten karakteren hennes er sårbar (som i The Lovely Bones, 2009) eller voldelig (som i Hanna, 2011). Selv når hun er i rolige periodedramaer eller milde komedier fra hjemmelivet, bringer Ronan en kvikksølvpresisjon som er spennende og litt urovekkende å se på. Dette er fordi så mye som hun fanger det emosjonelle været og det spesifikke kroppsspråket til for eksempel en skotsk dronning fra 1500-tallet eller en tenåring i California fra 2000-tallet, det hun formidler enda mer levende er måten disse menneskene tenker på, hvordan det føles. å være inne i hodet deres.
Det kan høres ut som en cerebral, intellektualisert tilnærming til skuespill, men det er egentlig motsatt. Den mest radikale og avslørende ambisjonen en skuespiller kan tenke seg er å bo i en annen bevissthet, og å bringe publikum med på den parapsykologiske reisen. Dette er mer enn bare å forsvinne inn i en rolle, eller metodisk aktivering av parallelle minner. Det er en slags selvautorisert gjenfødelse, som om Athena ikke kunne springe ut fra farens panne, men hennes egen. Det kan være skremmende å være vitne til, men geni er det ofte.
Stream forsoning på På acock .
9
Viola Davis
Viola Davis har jobbet med Denzel Washington flere ganger de siste 20 årene - enten han var regissør (Antwone Fisher, 2002), stjerne (spilte Troy Maxson til hennes Rose Maxson i August Wilson-familiedramaet Gjerder på Broadway og deretter på film i 2016) eller produsent (han kastet henne i tittelrollen i det kommende Wilson-jazzdramaet Ma Raineys Black Bottom). Vi ba ham forklare hva som gjør henne så enorm:
Jeg visste at hun var en stor skuespillerinne tilbake til da hun var på audition for Antwone Fisher 20 år siden. Jeg opplevde hennes kraft, hennes styrke og hennes talent [under shooten]. Hun kom klar, i karakter, og jeg lot henne egentlig bare være i fred. Det var egentlig ingenting å si til henne, men takk og la oss gjøre en til.
Hun er et talent én gang i generasjonen. Du vet ikke alltid det med en gang, men vi har alle opplevd det nå over tid. Da jeg var med henne i stykket [Fences] selv på repetisjonen, var det som: Oh, OK, hun er et kraftsenter. Hun har en stor scene når hun endelig losser på Troy; omtrent den tredje uken med øving viste hun hvor hun skulle. Og jeg tenkte at jeg burde ta igjen henne. Jeg må konsentrere meg.
Vi hadde en enorm suksess, så det var aldri et spørsmål om hvem som skulle spille rollen i filmen. Og en mektig, sterk kvinne og ydmyk. Regissøren [George C. Wolfe] måtte overbevise henne [om Ma i Ma Raineys Black Bottom]. Jeg gjorde det også. Hun var som, jeg kan ikke synge. Jeg har ingen rytme, alt sånt.
Hun kan gjøre hva hun vil. Hun har så mye evner.
Jeg stoler fullt og helt på henne. Hvorfor vil noen spille i et band med Miles Davis? Fordi han er en god samarbeidspartner, innovatør, kunstner. Hun er det samme. Hun kan gjøre hva hun vil. Hun har så mye evner. Hun er en av de beste tolkene av materiale jeg har hatt muligheten til å samarbeide med.— Intervju av Candice Frederick
Lei eller kjøp Gjerder på store streamingplattformer.
8
Zhao Tao
MANOHLA DARGISSiden 2000 har den kinesiske skuespillerinnen Zhao Tao og regissøren Jia Zhangke laget mer enn et dusin funksjoner og kortfilmer, dramaer og dokumentarer samt arbeid som motstår en slik ryddig kategorisering. Filmskapingsalliansen deres er så helhetlig og kjent at det er vanskelig å forestille seg hvordan disse filmene ville sett ut uten Zhaos ansikt og jording. Hun kalles ofte musen hans (de er gift), men det kommer ikke i nærheten av å fange rikdommen i bidraget hennes - dens poesi, symbolikk og følelsesmessige detaljer.
I Jias filmer går folk mye og ingen har klokket flere miles enn Zhao, ofte i sanntid. En tidligere danselærer, Zhao beveger seg med balanse og flyt, enten karakterene hennes spaserer ned en hall ( The World i 2005) eller vandrer på en nedlagt skole ( 24 City i 2009). I Still Life (2008) spiller Zhao Shen Hong, som leter etter mannen sin i en eldgammel by som kommer til å bli oversvømmet for en kontroversiell demning. Shen Hong blir ofte sett i mellom- og langskudd, men når noen spør om hun har det travelt, skjærer Jia til henne i nærbilde. Egentlig ikke, sier hun, og ansiktet fylles av anger eller kanskje minner rett før hun går ut døren.
Jias mange reisende kartlegger Kina historie for historie, uansett deres bokstavelige eller metaforiske destinasjon. Kanskje det er derfor Zhaos holdning virker så slående. Selv når karakterene hennes driver, gjør de det med rak rygg.
A. O. SCOTTDen pågående transformasjonen av Kina – dets mote, dets musikk, dets økonomi, dets arkitektur og topografi – er Jias altoppslukende emne, og Zhao er dens avatar og testcase. Hun er en slags Everywoman, det vil si at hun legemliggjør mange forskjellige kvinner, noen ganger innenfor rommet til en enkelt film.
I Ash Is Purest White (2019) spiller hun Qiao, som starter som en del av et gangsterpar i den nordlige industribyen Datong. Hun og kjæresten hennes, Bin, er fryktløse og glamorøse, selv om Qiao gjennom faren er knyttet til en eldre verden av arbeiderråd og proletarisk tøffhet. Det er tidlig på 2000-tallet, og alt ved Qiao – håret, klærne, måten hun går gjennom skinnende nattklubber og mishandlede fabrikker – uttrykker tillit til moderniteten og hennes plass i den.
Så faller alt fra hverandre. Lojaliteten hennes til Bin bringer henne i fengsel, og når hun blir løslatt er han borte. Reisene hennes, med båt, til fots, motorsykkel og tog, tar henne med på en lang anstrengende odyssé tilbake til der hun startet. Lidelsen hennes er nådeløs, men stoisismen hennes gjør det til tider nesten komisk, som om hun samtidig var heltinnen i et gammelt Hollywood-melodrama og hovedpersonen i et Samuel Beckett-skuespill. Forestillingen er et vidunder av utholdenhet, forankret i jorden, men på en eller annen måte større enn livet.
Stream Ash Is Purest White på Amazon Prime-video .
7
Toni Servillo
Toni Servillo er nok mest kjent for det amerikanske publikummet for Den store skjønnheten (2013), Paolo Sorrentinos Oscar-vinnende omvisning i den moderne romerske kulturelitens dekadente måter. Den filmen er det Pauline Kael kalte en kom-kledd-som-den-syke-sjelen-i-Europa-fest, med Servillo i hovedrollen, som spiller en forfatter med slank prestasjon og stort rykte, som mester for fester. Med sitt kjekke, krøllede ansikt og upåklagelig sykle, minner Servillo om en mer etablert versjon av den sosiale sommerfuglen Marcello Mastroianni spilte i La Dolce Vita - en løsrevet, vagt deprimert deltaker-observatør i et virvlende skue av hedonisme.
Hvis du trekker i tråden til Servillos samarbeid med Sorrentino, finner du noe mer spennende og vesentlig enn skjønnhet. De to har jobbet sammen på fem funksjoner, inkludert Sorrentinos regidebut, One Man Up, og har utviklet en symbiose som minner om noen av fortidens store skuespiller-regissør-partnerskap: Martin Scorsese og Robert De Niro; Vittorio De Sica og Sophia Loren; John Ford og John Wayne.
Slike analogier er utilstrekkelige. Servillo har vært den sentrale avataren i Sorrentinos utgravning av korrupsjonen og hykleriet – men også den usannsynlige ære og absurde motstandskraft – i det moderne Italia. Spesielt har han inkarnert to av de mektigste og mest polariserende politiske lederne i det virkelige liv i landets nyere historie: Giulio Andreotti (i den scabrous og satiriske Il Divo, 2009) og Silvio Berlusconi (i den episke og merkelig ømme Loro, 2019 ).
Å sette pris på omfanget av denne prestasjonen krever en ny runde med analogier. Tenk om den samme skuespilleren ble rollebesatt som både Richard Nixon og Barack Obama, eller Winston Churchill og Margaret Thatcher. Andreotti, en syv ganger statsminister og en primus motor i det lenge regjerende kristendemokratiske partiet, var en beryktet bakromsoperatør, skarpsindig og nesten trassig ukarismatisk. Berlusconi, også en serie-statsminister, var helt oppblåst og sjarmerende, frastøtende sleske for noen italienere og uendelig magnetisk for andre.
Verken Il Divo eller Loro er en konvensjonell biografi, og Sorrentino er ingen realist. Disse filmene nyter maktens teater, og Servillo, i grotesk kunstig sminke, minner noen ganger om en dukke eller en politisk tegneserie. Han legger vekt på Andreottis reptilske lureri og hemmelige forfengelighet, og Berlusconis slankhet og selvmedlidenhet. Selv om du ikke er bevandret i italiensk politikk, kan du føle den ville komiske energien til disse forestillingene, og den moralske ilden bak dem. Dette er virkelige mennesker! Disse tingene - drap, bestikkelser, dobbeltkors, orgier - skjedde virkelig!
Han synliggjør den ekstravagante menneskeheten – og det dype mysteriet – til menn som lever for å bøye verden etter deres vilje.
Men det Servillo gjør er mer enn bare overlegen sketsj-komedie satire. Som en Shakespeare-skuespiller som fordyper seg i majesteten og uhyrligheten til eldgamle eller imaginære konger, synliggjør han den ekstravagante menneskeheten – og det dype mysteriet – til menn som lever for å bøye verden etter deres vilje. Han fanger også deres ensomhet.
Stream Loro på Hulu ; leie eller kjøpe Il Divo på store strømmeplattformer.
6
Sang
Kang Ho
Den koreanske skuespilleren Song Kang Ho ble sannsynligvis først kjent med de fleste amerikanske publikummere i Oscar-vinneren for beste bilde i 2020, Parasite, og spilte en fattig, sammensveisende patriark. Det var hans fjerde samarbeid med regissøren Bong Joon Ho, og vi ba filmskaperen forklare hvorfor han har kastet stjernen igjen og igjen.
Jeg så Song Kang Ho for første gang Grønn fisk, regissøren Lee Chang-dongs spillefilmdebut. Han spilte en landlig, liten gangster, og opptredenen hans var så forbløffende realistisk at et rykte sirkulerte blant regissører om at han var en ekte kjeltring. Jeg fikk senere vite at han var en skuespiller som hadde vært aktiv i Daehak-ro teaterscenen i lang tid.
Selv om jeg var en første assisterende regissør på den tiden og ennå ikke regissør, ønsket jeg å møte ham. Så jeg inviterte ham til kontoret på kaffe i 1997. Det var mer en tilfeldig samtale enn en audition, men jeg kunne fortelle at han hadde evnen til å være en ung.
Da jeg skrev min andre film, Minner om mord (2005) Jeg hadde Song bestemt i tankene om å spille countrydetektiven som sitter fast på sine gamle måter og har blind tro på instinktene sine. Fordi han ble født for rollen og den ble laget for ham.
[Enten i Memories of a Murder, The Host (2007), Snowpiercer (2014) eller Parasitt ] det føles alltid som om det vil være et nytt lag å avdekke. Han er som et lerret som vokser og vokser. Uansett hvor mange penselstrøk jeg bruker, er det alltid mer plass til å male. Jeg er fortsatt spent på å se hva han vil bringe til en rolle. For meg er han som en uuttømmelig diamantgruve. Enten jeg har gjort fire filmer med ham eller 40, vet jeg at jeg vil finne en ny karakter.
Han har evnen til å bringe liv og råhet til hvert øyeblikk. Selv om en scene involverer vanskelig dialog eller svært teknisk kameraarbeid, vil han finne en måte å gjøre den sømløs og spontan. Hver opptak vil være forskjellig, og den mest uhåndterlige dialogen vil virke som improvisasjon. Det er forbløffende og en fornøyelse å være vitne til.
Han har evnen til å bringe liv og råhet til hvert øyeblikk.
Hans unike karakter som hovedperson kommer fra hans ordinære og hverdagslige. Spesielt til det koreanske publikummet, projiserer Song kvaliteten til den typiske koreanske arbeidsmannen, en nabo eller venn du kan møte i nabolaget ditt. Så de blir enda mer oppslukt når de ser denne tilsynelatende hverdagslige karakteren konfrontert med et monster eller en monstrøs situasjon i filmer som The Host eller Parasite.
Han tar utgangspunkt i det vanlige og løfter det opp til en enestående og uforlignelig stemme. Jeg tror det er det som gjør Song Kang Ho og karakterene han bor genuint spesielle.— Intervju av Candice Frederick
Lei eller kjøp Minner om mord på store strømmeplattformer.
Annonse
5
Nicole Kidman
Artist, prinsesse, forfatter, muse - Nicole Kidman har spilt dem alle, med kort hår og langt, en fantastisk kunstig schnoz og en fantastisk utstående hake. Hun kan smile som solen og gråte med nok tårer til at du vil gi henne en boks med vev. I mainstream kino er realisme en skuespillers mynt i handelen, et estetisk valg som hjelper til med å gjøre kunstgrep til noe som livet. For Kidman, en miniatyrist med et lapidært preg, skaper den realismen noen ganger å skjule skjønnheten (for rollen, ikke prisene) som lenge har definert henne. Det betyr også å konsekvent leke med femininitet.
Kidman gikk inn i det 21. århundre på høyden av sin stjernestatus med Rød mølle! (2001). Dette ble fulgt av en håndfull andre høyprofilerte kjøretøyer, spesielt Timene (2002), der hun spilte Virginia Woolf (cue the schnoz) og fanget henne en Oscar. Det var et høflig gjesp av en film som Kidman fulgte av hovedrollen i Lars von Triers Dogville (2004), en kalkulerende brechtiansk øvelse der karakteren hennes, etter å ha blitt misbrukt, plukker opp en pistol og hjelper til med å ødelegge en by. Kidman så ut til å glede seg over den biten.
Hun har laget mer enn 40 filmer siden, noen minneverdige og et nummer som er best å glemme. I likhet med andre skuespillerinner har Kidmans kjendis til tider overgått hennes bankevne, og skapt en berømmelse som har mindre å gjøre med billettkontoret og mer å gjøre med en stjerneklar persona som er opprettholdt av røde løpere og en overflod av motemagasinforsider. Noen år kom og gikk filmene nesten uten varsel. Likevel fortsatte Kidman å jobbe jevnt og trutt og fortsatte å heve ubetydelig materiale, og presset seg selv når filmene ikke gjorde det. Hun har også spilt en hel masse mødre, en nødvendig overlevelsesstrategi i en verden så kreativt fantasiløs som filmindustrien.
En glede for en virtuos utøver er å se dem heve seg over sitt materiale. Kidman har gjort det gjentatte ganger, inkludert i Fødsel (2004), der hun spiller en enke som kommer til å tro at en 10 år gammel gutt er reinkarnasjonen av hennes døde ektemann. Det er pretensiøs tull som Kidman pryder med delikatesse og nålestikk av følelser. Hun er helt strålende i Avisgutten (2012), en deilig vulgær hva er det der hun overstråler en showboating mannlig kohort, vekselvis urinerer på Zac Efron og river strømpebuksene hennes i en orgiastisk vanvidd over John Cusack.
Du kan ikke ta øynene fra henne. Du kan aldri.
Nylig spilte Kidman hovedrollen i ødelegger (2018), en tøff thriller fra Karyn Kusama om en detektivs lange nedadgående spiral. Kidman går stor og brutal – slår og løper og skyter og drikker til vilt overmål – for å spille en middelaldrende ruin hvis forferdelige valg er etset i hver krøll og flekk i det harde ansiktet hennes. Filmen floppet, kanskje fordi den var for stygg for dagens publikum, eller kanskje det hele virket for dårlig for en av Vogue-magasinets favorittforsidejenter. Men Kidman er strålende, kald, rå og sann. Selv med ansiktet tilslørt nesten til det ugjenkjennelige, forblir hun ubestridelig. Du kan ikke ta øynene fra henne. Du kan aldri.
Strøm Destroyer på Hulu .
4
Keanu Reeves
Kanskje du er overrasket over å finne Keanu Reeves så høyt på denne listen. Men spør deg selv: har du noen gang blitt skuffet da han dukket opp i en film? Kan du nevne en film som ikke har blitt forbedret av hans tilstedeværelse? Vi snakker om Ted Logan her. Om Neo. John Wick. Diane Keatons interesserte også i Noe må gi etter (2003). Ali Wongs kjærlighetsinteresse - en fyr som heter Keanu Reeves! — i Always Be My Maybe (2019). Det er sikkert ikke en annen filmstjerne som viser så stor rekkevidde samtidig som den forblir så irreducerbart og utydelig.
Kan du nevne en film som ikke har blitt forbedret av hans tilstedeværelse?
Men han har vært merkelig lett å undervurdere. Som så mye annet på 90-tallet, ble forståelsen av Keanu Reeves i de første fasene av karrieren sikret med ironi. Det var for lett å gjøre narr av den tomme, alvorlige forvirringen som definerte karakterene hans i Point Break, The Devil's Advocate og Matrix-filmene, til å projisere deres blankhet på ham, til å anta at det stille vannet hans rant grunt.
Han var alltid med på spøken. Og spøker aldri helt. I middelalderen har han hevet seg til et nytt nivå av prestasjon, en sone der kunstløshet og selvbevissthet møtes. Han er en av våre mest troverdige actionhelter, og også en av våre mest ressurssterke og oppfinnsomme karakterskuespillere. Han har forvitret vakkert, blitt tristere og mer leken på en gang uten å miste den overjordiske uskylden som var der fra starten.
Er den melankolske, uhyggelige, hundelskende leiemorderen i John Wick-filmene en sjanger, en lønnsjobb, en actiontrening midt i livet? Sannsynligvis. Selvfølgelig. Med (la oss si) Gerard Butler i tittelrollen ville de vært glatte, ekle kast. Det Reeves gjør er å gi franchisen mer tyngdekraft enn den fortjener, mer humor enn den trenger, og sjelen som den ellers mangler.
En av gledene ved å se film det siste tiåret har vært å møte ham i uventede former. Som en slags post-apokalyptisk kultleder kjent som Dream in The Bad Batch, Ana Lily Amirpours 2017 crusty dystopiske fantasi. Som kritt til Winona Ryders ost i Victor Levins slipende anti-rom-com Destinasjon bryllup (2018). Som stemmen til en katt som heter Keanu Keanu (2016).
Det er mer ved mannen enn summen av disse delene, som er gåter og koans, kapitler i en evig oppdatert manual i metamoderne filmstjernestatus som en måte å være på. Han er ingen perfeksjonist. Han er selve perfeksjonen. Vi ble fortalt for lenge siden, og nå kan vi kanskje endelig tro det: han er den ene.
Stream eller lei John Wick-filmene og andre Reeves-titler på store plattformer.
3
Daniel
Day-Lewis
Ved starten av Det vil bli blod (2007), slår en mann i et dypt, mørkt hull rytmisk veggen med en hakke, og sender opp gnister og støv. Det er så mørkt at du ikke kan se ansiktet hans, men den bleke skjorten hans trekker til øynene dine og kaster konturene av hans kraftige armer og deres maskinlignende bevegelser i relieff. Du ser ham bare helt når han løfter hodet for å se opp mot himmelen, noe som får lyset til å flomme over ansiktet hans. Se, mannen – se, Daniel Day-Lewis!
Det er en introduksjon like ikonisk, like karakterdefinerende og stjerneformende som Rita Hayworths i Gilda. Det fungerer også som en fin metafor for den møysommelige handlingen til Day-Lewiss kreative prosess, byggingen av karakterene hans. Som Daniel Plainview spiller Day-Lewis ikke bare hovedpersonen; han gir menneskelig form til filmskaperen Paul Thomas Andersons ideer og kunst. Plainview er mange ting: mann, maskin, en forferdelig far, en rovgirig oljemann. Han er også manifestasjonen av det ødeleggende stoffet - oljehavet - som han med vold fravrider jorden.
Day-Lewis er en av de mest aktede skuespillerne i det siste halve århundret, et rykte basert på hans blendende filmografi og brente av en aura av storhet som har vokst til nesten mystiske proporsjoner. Hans godt publiserte forberedelser til rollene hans og hans insistering på å holde seg i karakter under produksjonen har blitt legendariske, stoffet med begeistrede overskrifter og fanfetisjisme. Hans gjentatte pensjoneringskunngjøringer har bare utvidet auraen hans, og det samme har hans selektivitet: Han har laget bare seks filmer dette århundret, noen mesterverk. Som den eksotiske århundreplanten, en agave som bare blomstrer spektakulært én gang, vet Day-Lewis både hvordan han skal erte oss og sette opp et show.
Day-Lewis vet både hvordan han skal erte oss og sette opp et show.
Loren som har bygget rundt ham er til en viss grad bare en metode-versjon av mytifiseringen som alltid har vært en del av skapelsen av stjernestatus. Det som noen ganger mangler er å lese mer enn 100 bøker for å forberede seg til tittelrollen Lincoln (2012) er arbeid, en del av hvordan en skuespiller forbereder seg. Alt det arbeidet og de bøkene er en påminnelse om at skuespill også er en jobb, ikke magi, selv når en skuespillers prestasjon virker eller rettere sagt, kjennes alkymistisk. En del av Day-Lewis sitt talent er hans enorme evne til å gjøre hardt arbeid til en karakter som flytende tjener en regissørs visjon.
Mye avhenger av den visjonen. Og det er på dette tidspunktet jeg beklagelig må nevne Ni (2009), en katastrofal dårskap som Day-Lewis tjener flittig, men ikke kan redde. I Gangs of New York (2002), derimot, er opptredenen hans som Bill the Butcher apoteosen til filmens ambisjoner, så når han ikke er på skjermen, spruter bildet. Day-Lewis kunst er en osmose mellom ham og regissørene hans. Og til dags dato har hans mest fullstendig gjengitte forestillinger vært i de to filmene han har laget med Anderson, sist Phantom Thread (2017), hvis skjønnhet, dybde og særegenhet Day-Lewis absorberer, transformerer og bryter briljant.
Kjøp eller lei Phantom Thread på de fleste større plattformer.
2
Isabelle Huppert
MANOHLA DARGISFryktløs og hypnotiserende, noen ganger skummel, noen ganger freakish, har Isabelle Huppert påtatt seg en forbauselse av roller i løpet av karrieren, og beveget seg uanstrengt fra tårer til skrik, fra de mest rettferdige historiene til de mest strålende uhengslede. Hun har spilt i mer enn 50 filmer bare dette århundret, flittighet som taler til hennes ambisjoner og popularitet, men antyder også en glupende sult som du kan se i skuespillet hennes. Jeg elsker mange av forestillingene hennes, men jeg er spesielt betatt av monstrene hennes, av hennes grufulle, usigelige kvinner.
A. O. SCOTTSa noen Pianolæreren ? Den filmen fra 2002 er en skremmende tur-de-kraft av begjær, grusomhet, masochisme og musikerskap. Tittelfiguren, Erika Kohut, blir besatt av en student, og Huppert utfører sin nedstigning til galskapen med iskald presisjon og operatisk intensitet. Er vi redde for henne, eller redde for henne?
Huppert er en virtuos på den slags tvetydighet, på å forvrenge de vanlige kodene om feminin sårbarhet og feministisk selvhevdelse, på å trosse antakelser om kildene til en kvinnes seighet og skjørhet. Et av favoritteksemplene mine er i Claude Chabrols Maktens komedie (2007), der hun spiller en sorenskriver som utrydder korrupsjon i Frankrikes politiske og forretningsmessige elite og tar på seg et sterkt forankret old-boy-nettverk. Karakterens navn er Jeanne Charmant Killman, som kan virke litt på nesen, men som også fanger noe av Hupperts grasiøse, dødelige appell.
DARGISRollene Huppert har blitt tilbudt og de hun har oppsøkt har vært medvirkende til hennes skapelse. Og tidlig i karrieren jobbet hun med filmskapere - Jean-Luc Godard, Maurice Pialat og, selvfølgelig, Chabrol - som ga henne kreativ plass til å utvikle seg. Hun kunne aldri ha hatt en tilsvarende karriere i amerikanske filmer (jeg grøsser ved tanken på hennes debut på Sundance), der karakterer sjelden er tvetydige og ofte formet av intetsigende imperativer som relatabilitet og forløsning.
Huppert er kjent for å omfavne ekstremer, selv om jeg ser dette som en interesse for tilværelsens fylde, inkludert det ekle og tabuet. Karakterene hennes koker over av liv, noe av det stygt, som i Hun (2016), Paul Verhoevens provokasjon om traumer og psykose. Skuespilleren overrasker alltid (jeg mistenker at hun ville kjedet seg ellers), men her, som en kvinne som konfronterer mannlig vold, gjør Huppert noe som sjelden skjer i filmer: hun sjokkerer. Med skjærende vidd – hennes rare smil spotter publikums fromheter – gjør hun mysteriet til en annen person til en thriller. Jeg elsker at hun tvinger meg til å se selv når jeg ikke vil.
SCOTTSa noen Greta ? Det var en tøff liten thriller fra 2019 der Huppert spilte en psyko-mamma-stalker som tærede på en høyskolestudent med duggøyne øyne spilt av Chloë Grace Moretz. Jeg tar det opp bare fordi den typen mysterium du referer til - den flyktige sammensetningen av vidd, sjarm og vilje - dominerer den filmen, som Huppert gjør mer spennende enn den har noen rett til å være. Morsommere og skumlere.
Det er ingen andre med hennes kombinasjon av intensitet og tilbakeholdenhet. Dette kommer spesielt frem i filmer der karakteren hennes er involvert i en total kamp for å overleve, som Claire Denis sin Hvitt materiale (2010). Huppert spiller en fransk plantasjeeier som klamrer seg til den siste biten av koloniprivilegier i et afrikansk land som er rammet av vold. Hun vet at livet hennes er i fare, at livsstilen hennes er i ferd med å gli unna, og også at hun i det større historiske oppsettet godt kan fortjene sin skjebne. Det er ingen selvmedlidenhet her og knapt noe drama i konvensjonell forstand. Bare ren nerve.
Stream eller lei Elle, The Piano Teacher og mer på de fleste større plattformer.
1
Denzel Washington
A. O. SCOTTVi kranglet og kranglet om alle andre spor på listen, men det var ingen nøling eller debatt om denne.
Denzel Washington er utenfor kategorien: en skjermtitan som også er en subtil og følsom håndverker, med seriøs gammeldags scenetrening og flammende filmstjernetilstedeværelse. Han kan gjøre Shakespeare og August Wilson, skurk eller actionheltemot. Han er også en av de ypperste skuespillerne. Hvem kan glemme de vanskelige arbeidsstivhetene hans Ustoppelig (2010) og The Taking of Pelham 123 (2009), et par store, støyende filmer med togtema regissert av Tony Scott? Ingen av dem er et mesterverk, men jeg blir aldri lei av å se Washington på jobb.
MANOHLA DARGISHan får jobben - som jeg mener skuespill - til å se ut som å puste. Det er en grunn til at han var perfekt som Easy Rawlins i Devil in a Blue Dress, en tidlig definerende rolle. Siden den gang har han spilt mange karakterer som legemliggjør lov eller kriminalitet, og noen som eksisterer i rommet som skiller de to. Underveis har han blitt det dominerende totemet for en viss type mannlig autoritet, som John Wayne og Clint Eastwood før ham. Washington kan uttrykke sin smertefulle sårbarhet, men han kan tårne seg opp som en koloss, troende over verdener som en gammeltestamentlig patriark – det er ekstraordinært gitt representasjonene av svart maskulinitet på skjermen for ikke lenge siden.
SCOTTDenne autoriteten er troverdig selv når filmene er … mindre så. Boken om Eli (2010)? The Equalizer (2014)? Mann som brenner (2004)? En av tingene jeg elsker mest med ham er hvor fantastisk han spiller menn som ikke ser ut til å kreve eller til og med fortjener kjærlighet. Tenk på Whip Whitaker Flygning (2012), en utrolig dyktig flypilot som også er et episk togvrak. Ikke en hyggelig fyr, men så fyldig og kompleks og levende realisert et menneske som du noen gang vil se på en filmlerret.
DARGISSom alle stjerner føles Washingtons skuespill uløselig med karismaen hans, en kombinasjon som er forførende, men som kan overvelde filmer, som Antoine Fuquas voldelige kjele Treningsdag (2001). Washington er oppsiktsvekkende som en dårlig detektiv: Han er løs, sexy, skremmende, men så mye større enn livet at han krymper filmen. På flukt utdyper magnetismen hans karakters tragedie; det gir hans gang svimmel, men det er også en del av hans smuldrende fasade. Få roller gir Washington så mye å jobbe med, absolutt ikke filmene med to av favorittregissørene hans, Fuqua og Scott, som skaper mye oppstyr som Washington setter seg inn i - og sentrerer - veldig komfortabelt.
SCOTTKanskje et mål på hans mektighet er hvor konsekvent han er bedre enn filmene han er med i. Midt i det omfattende løp av utmerket arbeid – trenerne og politiet, gangsterne og advokatene – er det noen monumenter som viser dette ruvende talentet til fulle. Malcolm X er en, og Troy Maxson i Fences (2016) er en annen. Det er så mye smerte og stolthet i den forestillingen, som på en eller annen måte måler vekten av amerikansk rasisme på en enkelt persons kropp og sjel, uten å gjøre den personen til et symbol på noe. Måten Washington går inn i filmen, skuldrene svingende av en idrettsutøvers kraft, rammen hans bulket av et helt liv med slit, er et øyeblikk av ren kjødelig veltalenhet, matchet av strømmen av folkelig poesi som kommer ut av munnen hans.
DARGISVel, å overskride filmen din har lenge vært et kjennetegn på ekte stjernestatus! Skuespillere velger roller av alle slags grunner – alder, timeplan, smak, komfort, lønn – og rase er alltid viktig. Washington liker å spille målorienterte karakterer og menn som gjør et seriøst inntrykk, med en pistol, fysiske ytterpunkter eller ord. Han liker å gå stort. Han kunne lage kunstfilmer og provoserende små indies, men gjør det ikke. Kanskje han ikke er interessert; det trenger han absolutt ikke. Han er tross alt Denzel Washington, en stjerne hvis karriere – i sin lange levetid og dominans – er et korrektiv og irettesettelse mot den rasistiske industrien han jobber i. Jeg ser for meg at han gjør akkurat det han vil.
Stream eller lei Fly, treningsdag og mer på de fleste større plattformer.
BILDER 25: IFC-filmer; 24: Kino Lorber; 23: A24; 22: Larry Horricks/20th Century Fox; 21: Warner Bros. (Dancer in the Dark); Bac Films (A Christmas Tale); Fokusfunksjoner (8 kvinner); Mandarin Films (Potiche); 20: Warner Bros. (Just Mercy); Steve Dietl/Netflix (Mudbound); 19: Entertainment Studios Motion Pictures, via Photofest; 18: Lily Gavin/CBS Films; 17: Neon; 16: Amazon Studios/Magnolia Pictures; 15: Matt Kennedy/Marvel, Disney; Barry Wetcher/Warner Bros.; Ron Koeberer/Weinstein Company; 14: Alison Rosa/CBS Films; 13: Magnolia Pictures (Julia); Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria); Warner Bros. (Michael Clayton); Kimberly French/Netflix (Okja); 12: Anne Joyce/Weinstein Company (The Immigrant); Anne Joyce/Columbia Pictures (We Own the Night); Barry Wetcher/Miramax Films (The Yards); 11: Fokusfunksjoner, via Photofest; 10: Merrick Morton/A24; Merie Wallace/A24; 9: Paramount Pictures; 8: Cohen Media Group; 7: Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Media Group; 6: Magnolia Pictures (Verten); CJ Entertainment (Memories of Murder); Neon (parasitt); 5: Anne Marie Fox/Millennium Entertainment; 4: David Lee/Lionsgate; 3: Melinda Sue Gordon/Paramount Vantage; 2: Kino International; 1: Paramount Pictures (Flight); Robert Zuckerman/Warner Brothers (Training Day’); Rico Torres/Columbia Pictures (The Taking of Pelham 1 2 3); Scott Garfield/Columbia Pictures (The Equalizer)
Design av Gabriel Gianordoli.
Produsert av Alicia DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben og Josephine Sedgwick.
